El oído pensante tiene como propósito promover la discusión en torno a los dilemas teóricos, metodológicos y epistemológicos de las investigaciones realizadas sobre diversas manifestaciones musicales y sonoras. Sus páginas acogen trabajos inéditos en español, portugués o inglés, que se enmarquen en disciplinas tales como la etnomusicología, la antropología y la sociología de la música, los estudios de música popular, la musicología y los estudios culturales, entre otras.
Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Buenos Aires
Las cuatro revoluciones invisibles. Audiencias de antes de la radio hasta después del podcast.
Derechos de autor 2025 Amparo Rocha Alonso
Presencia de la inclusión en la educación musical: estudio bibliométrico
El término inclusión, tanto en el ámbito social como educativo, se refiere a proporcionar oportunidades de desarrollo individual y participación social a personas con diversas capacidades, evitando su exclusión. El alto valor integrador de la música nos lleva a dedicar este estudio bibliométrico con un objetivo que consiste en analizar las particularidades de las investigaciones que vinculan la Educación Musical y la inclusión. Se presentan autores especializados y las revistas científicas con mayor interés en la temática. Se realiza una búsqueda en la base de datos Web of Science utilizando en exclusiva los términos: musical education e inclusion. Se obtienen 300 artículos (59 publicados en 2023) y se advierte que las revistas con mayor interés temático son International Journal of Music Education, Music Educators Journal y Research Studies in Music Education. España ocupa el segundo lugar en artículos publicados, con 54 publicaciones, únicamente superado por Estados Unidos (n=98). Delimitando la búsqueda a 2020-2024, el corpus se reduce a 193 artículos. Observamos incremento en la producción científica de esta temática. Esto puede explicarse por el aumento de la diversidad social y educativa.
Revisando las mujeres y la guitarra eléctrica: por qué es necesario actualizar y ampliar la investigación
Este artículo aborda el estado de la investigación sobre las mujeres y la guitarra eléctrica y sostiene que existe una gran necesidad de realizar más investigaciones sobre el tema. Los estudios existentes se centran principalmente en los factores que inhiben a las mujeres a tocar la guitarra eléctrica y en las relaciones entre las mujeres y la guitarra offline o antes de la aparición de Internet. Asimismo, tienden a vincular la guitarra eléctrica con la masculinidad y la sexualidad masculina y a caracterizarla como una práctica dominada por los hombres. Esto significa que no se presta mucha atención a las razones por las que las mujeres tocan la guitarra eléctrica, se omite en gran medida el impacto de Internet en la práctica femenina de la guitarra y se da mínima consideración a otras formas de abordar la relación entre el género y el instrumento. Sostengo que todos estos aspectos son vitales para comprender mejor el tema, y para promover la causa de la igualdad de género en la música y, por lo tanto, son necesarias con urgencia más investigaciones.
Videos musicales ambientados en cafeterías. Sugestión y autocuidado emocional durante la pandemia por el Covid-19
En este artículo se aborda un fenómeno cultural, el de los videos musicales ambientados en cafeterías, que experimentó un auge considerable durante la crisis sanitaria originada por el Covid-19. Se trata de un material difundido, principalmente, a través de la plataforma YouTube, cuyo propósito es propiciar estados de máxima relajación, concentración y creatividad, mediante el estímulo de la ASMR (respuesta sensorial meridiana autónoma). Tras llevar a cabo una etnografía digital, se han observado las dinámicas de funcionamiento de los canales seleccionados y se han analizado las diversas estrategias creativas que se ponen al servicio de los objetivos mencionados. Finalmente, el artículo aborda el análisis de este fenómeno a la luz de diversos marcos teóricos que ayudan a ubicarlo en un contexto social de modelos de consumo neocapitalistas, individualizados y espectacularizados.
Between a Context that Expands and an Ideology that Defunds
Repensando el discurso de la prensa desde la musicología
Este artículo propone un acercamiento crítico al discurso de la prensa sobre la música. Su objetivo es desgranar sus mecanismos a través de tres ejes principales: a) la concepción de la prensa como un archivo; b) la idea de la prensa como un elemento de mediación, y c) los postulados de los estudios críticos del discurso. Se busca examinar cómo estos elementos actúan de manera conjunta e interactúan dentro de lógicas de poder que tienen que ver con estructuras dominantes, asumiendo que solo al entenderlas en su complejidad es posible comprender los discursos de la prensa y que una mirada crítica permite una visión alternativa a las que a menudo proponen las narrativas históricas de la musicología.
Entre un contexto que expande y una ideología que desfinancia
It's Not the End, but Something Feels off
Detrás del ritmo: El fraseo en el tango más allá de la rítmica
El arte del fraseo ha sido determinante en la historia del tango. Fue incorporado en 1917 por Carlos Gardel como recurso vocal y adaptado más tarde por Aníbal Troilo a la práctica instrumental, dando lugar al florecimiento de los estilos interpretativos en las décadas del 40 y el 50. A partir de los años 60 la pérdida de popularidad del tango coincide con el declive del fraseo gardeliano que, a pesar del resurgimiento que vive el género desde finales del siglo pasado, no ha vuelto a cultivarse en la práctica instrumental hasta la fecha. Este artículo plantea que la pérdida del fraseo en la actualidad puede deberse, más que a su desconocimiento, a una comprensión parcial o inexacta de su naturaleza. La hipótesis presentada discute la pertenencia del fraseo al dominio del ritmo, entendido en occidente como división del tiempo, y examina las limitaciones de su medición y su escritura. En lugar de como un hecho rítmico, se propone estudiarlo como un fenómeno bi-temporal: un desdoblamiento del tiempo musical que no puede ser codificado por nuestro sistema de notación.
El tiempo embotellado: la versión de “Lucerito Alba” del Purahéi Trio y las relaciones entre modernización musical y modernización socioeconómica en Paraguay
A partir de la versión del Purahéi Trio para la polca-canción "Lucerito Alba" (Eladio Martínez), lanzada en el disco Paraguay Purahéi (2014), se tematiza y se discute la relación entre modernización de la música popular y modernización socioeconómica. La crítica inmanente de la canción despliega un comentario histórico-sociológico sobre el desarrollo de la música popular en Paraguay interesado en poner en relieve la tensión que se establece entre la irrupción de la temporalidad histórica moderna y el esfuerzo para contener su fuerza transformadora. Las conclusiones apuntan para el agotamiento de la dinámica que se estableció entre modernización musical y modernización socioeconómica a lo largo del siglo XX.
La transformación musical como gesto cultural. Hipertextualidad y contexto
Las composiciones que apelan a la transformación de obras precedentes ocupan un interesante espacio dentro de la música del último siglo. En ellas el acto de transformar un texto anterior se traduce en un gesto cultural que encierra una valoración del fragmento del pasado elegido, una forma de inclusión dentro del panorama artístico-cultural de la nueva época y, con todo ello, una expresión de la postura estética e ideológica del autor frente a ese pasado (obra, estilo, período histórico, etc.). Atendiendo a esta diferencia, se pueden establecer algunos tipos básicos de transformación musical y observar posibles combinaciones que se pueden dar entre ellos. De esta forma, se propone un análisis textual que atiende al entramado sígnico y estilístico que se da en estas producciones y se ofrecen ejemplos de posibles caminos a seguir para abordar su interpretación dentro del contexto cultural donde se generan. Para ello se recurre a ejemplos de la música latinoamericana y española.
Transformación musical; música sobre música; hipertextualidad; música latinoamericana; música española
La música de salón en el norte de Portugal: intercambios culturales dieciochescos y cuestiones terminológicas actuales
Las investigaciones sobre música del siglo XVIII en Portugal se han centrado mayoritariamente en Lisboa, analizando con esmero sus prácticas, colecciones y agentes. Esta tendencia, que produjo resultados muy relevantes, ha operado en detrimento del estudio sobre otros territorios lusos, habitualmente considerados receptores pasivos de los fenómenos surgidos en la capital. El presente artículo tiene por objetivo contribuir a una mejora de la situación, tratando en su heterogeneidad las manifestaciones del norte de Portugal susceptibles de englobarse bajo la expresión “música de salón”. Paralelamente, se pretende mostrar la problemática que una consideración restrictiva de tal etiqueta académica acarrearía en relación con esta ubicación a finales Antiguo Régimen. Todo ello supone un reto metodológico debido no solo a la dispersión (en ocasiones, escasez) de fuentes, sino también a que el asunto no se ha tratado de forma holística hasta el momento. El trabajo revela la continua interacción entre los salones norteños y otros ámbitos con presencia musical, como teatros e iglesias, diluyéndose en muchas ocasiones las fronteras que los separaban. Además, si bien es innegable la influencia lisboeta en todo este proceso, reducir lo ocurrido a sencillas dinámicas centro-periferia no corresponde de forma exacta con la compleja realidad.
música de salón, Portugal, siglo XVIII, transculturación, terminología.
Derechos de autor 2025 Javier Gándara Feijóo
Festivales feministas de música en España: plataformas de activismo contra la desigualdad de género
Los festivales de música son espacios propicios para la catarsis colectiva en los que destaca la interacción social y el disfrute personal en entornos simbólicos. Además, constituyen una manifestación de la festivalización de la cultura, impulsada por personas que comparten los valores que representan determinados géneros musicales. Sin embargo, los escenarios están mayoritariamente dominados por hombres, lo que refleja la desigualdad de género que experimentan mujeres y disidencias en la música. Este artículo analiza los festivales feministas celebrados en España entre 2018 y 2024, que han surgido como respuesta a las estructuras androcéntricas y heteronormativas predominantes en la industria musical. A través de un cuestionario semiestructurado distribuido entre diez festivales, se investigan sus objetivos, su contribución al activismo feminista, la programación de actividades paralelas y los retos relacionados con la producción y financiación. Los resultados revelan una dicotomía entre festivales que denuncian la desigualdad en géneros musicales dominados por hombres y aquellos que se centran en el activismo feminista. No obstante, en ambos casos, la música se posiciona como el eje vertebrador de la experiencia activista. Asimismo, se identifica una tendencia en la programación de festivales que apuestan por la recuperación de músicas tradicionales en el contexto de una revalorización de lo rural, acompañada por la defensa de la sostenibilidad que se vincula a un activismo transfeminista.
Derechos de autor 2025 Candelaria sánchez Olmos
Música y rodeo en el Valle de Chancay. Eimer Sucuple, Sergio Arellano y Margoth Manuelo. (2020). Lima: Escuela Nacional Superior de Folklore José María Arguedas.
López Moya, M. de la C. (2017). Caleidoscopio sonoro, músicas urbanas de Chiapas. Chiapas: Cesmeca-Juan Pablo Editores, Tuxtla Gutiérrez.
M. Paz López-Peláez Casellas (coord.). Músicas encontradas. Feminismo, género y queeridad. Jaén. Editorial Universidad de Jaén, 2021.195 pp.
Book review: M. Paz López-Peláez Casellas (coord.) Músicas encontradas. Feminismo, género y queeridad. Jaén. Editorial Universidad de Jaén, 2021.195 pp. ISBN: 978-84-9159-450-5.
Inmanencia y metafísica en El arte de la fuga de J. S. Bach
El Arte de la Fuga contiene elementos particulares definidos, que posibilitan establecer la hipótesis según la cual dentro de la obra de Johann Sebastian Bach, se encuentra un fondo metafísico original. A partir de la estructura sistemática presente en la última gran composición del músico alemán, y del marcado acento circular que contiene, la originalidad metafísica analizada en este artículo es la consideración de una concepción inmanentista de la esencia divina. Partiendo de tal consideración, se analizarán las posibilidades que contiene la estructura formal de la obra para exponer cómo la totalidad de lo real se encontraría contenida en la esencia divina para luego desplegarse en lo otro de sí, en la misma realidad.
Preservación y previsión: propuesta de modelo para la adaptibilidad e interpretación de obras electroacústicas con procesamiento de señal en tiempo real
La música electroacústica con procesamiento de señal en tiempo real, conocida como live electronics, enfrenta desafíos significativos en términos de su sustentabilidad, es decir, en su capacidad para pervivir y ser reinterpretada en el futuro. Estos desafíos se encuentran vinculados a la naturaleza tecnológica de las obras. Muchas dependen de tecnologías específicas que podrían volverse obsoletas, carecen de información para migrar a nuevas tecnologías y no tienen sistemas de escritura adecuados para garantizar su reinterpretación. Lo cual podría resultar en la pérdida permanente de algunas composiciones musicales. El artículo tiene como objetivo abordar dichas problemáticas y sugerir la creación de un modelo sistematizado de los elementos de una obra de este tipo para contribuir a la preservación de la música electroacústica con procesamiento de señal en tiempo real.
La Nueva Música como territorio de la emancipación del recurso tecnológico
Atendiendo a un siglo XX que vio nacer instrumentos, recursos musicales y técnicas que respondían a las exigencias de las músicas de su propio tiempo, en el presente artículo examinamos si la gradual consolidación de los recursos electrónicos en el campo composicional guarda algún tipo de relación con el desarrollo de la Industria Cultural, la que para la Escuela de Frankfurt es conducida a través de la expansión de las tecnologías para la comunicación. A partir del análisis heideggeriano de la naturaleza de dichos recursos prestamos especial atención a la forma en que su entrada en el proceso creativo conlleva la paulatina aparición de un pensamiento distinto al musical, pensamiento que surge del estadio tecnológico y que puede ser reconducido a la razón instrumental definida por Marcuse, todo al interior de un proceso donde las nuevas tecnologías parecieran orientar su desarrollo hacia su propia autonomía.
Espacialidad en la experiencia musical. Reflexiones indisciplinadas y una propuesta a partir del territorio
Las nociones relativas a la espacialidad han sido utilizadas de modo polisémico en el campo de la etnomusicología, lo cual ha posibilitado una progresiva apertura a modos complejos de entender cómo el sujeto social experimenta la práctica de la música. En el presente trabajo, planteamos una relectura de la espacialidad en la experiencia musical a partir de un análisis de las nociones de espacio, lugar y territorio. Nuestras conclusiones apuntan a relacionar, después de dos décadas, la propuesta de Timothy Rice sobre la experiencia musical con otros autores fuera de la musicología que han abordado la relación entre experiencia, tiempo y espacio. Nos hemos propuesto repensar los ejes en los cuales se articula la experiencia musical, relevando el rol del territorio como concepto que articula etnicidades y usos históricos del espacio en los que la música puede aunar parte de esa experiencia.
Del archivo a la invención del mito nacionalista en La música en Cuba: nuevas perspectivas en torno al criollismo en el siglo XIX cubano
Sin dudas la influencia de la narrativa de Alejo Carpentier ha sido significativa en el contexto latinoamericano, así como su acción legitimadora en la creación de un tópico nacionalista en el siglo XIX en Cuba. Sin embargo, existen numerosos factores que contradicen la tesis carpenteriana como, por ejemplo, la propia complejidad de la sociedad cubana a mediados de siglo y, por tanto, la poca probabilidad de la formación de una nación homogénea y unificada en esta etapa, entre otras razones debido al problema de la colonización española, la permanencia de la esclavitud hasta 1886 y el proceso de criollización e integración de la población negra. El objetivo principal del presente trabajo es deconstruir el discurso sobre el canon del nacionalismo musical en la Cuba colonial cimentado sobre la agenda ideológica nacionalista/americanista de Carpentier en La música en Cuba (1988). Al mismo tiempo que se propone la pertinencia del término criollo o criollista, para el estudio de la actividad musical conexa a determinados circuitos relacionales y de membrecía localizados en la Cuba decimonónica. Para ello ha resultado pertinente el enfoque de “complejo de performance” que propone Alejandro Madrid (2012) para el estudio posnacional del nacionalismo musical.
Objects Move Faster Than the Eyes That Observe Them
De la investigación formativa a la creación crítica y reflexiva: aportes para una reconfiguración de la investigación creación en programas de posgrado en música
En los últimos años, el tema de la investigación creación (o investigación artística, como la suelen llamar en el ámbito europeo) ha cobrado especial relevancia en ámbitos universitarios. Son numerosos los libros y artículos publicados que han buscado definirla y teorizarla. Sin embargo, en lugar de aclararse o alcanzar un consenso sobre su significado y alcances, con el paso de los años se percibe que sigue siendo un término vago y difuso, con múltiples usos según los intereses de quienes lo enuncien. En este artículo, a partir de una amplia revisión bibliográfica producida durante los últimos años sobre aspectos epistemológicos y metodológicos de la investigación creación, se busca dilucidar confusiones y proponer alternativas para reconfigurar el campo. La discusión se apoya en los métodos deductivo e inductivo para llegar a discusiones y propuestas, tomando como base empírica trabajos de grado de un programa de maestría en Colombia, cuya construcción curricular se diseñó sobre el paradigma de la investigación creación. Como resultado, se argumenta la importancia de definir la creación crítica y reflexiva como una tercera opción entre la creación y la investigación creación.
“Não raro sou voto vencido”. O percurso de Samuel Araujo, o legado do Grupo Musicultura e os desafios da etnomusicologia
Los objetos se desplazan a mayor velocidad que la mirada
Exploring the Role of Bass Guitar in Contemporary Music Production: Digital Techniques and Innovations
Contemporary digital technologies and innovations offer broad opportunities for the analysis and enhancement of the sound quality of various musical instruments, thereby fostering the development of the music industry as a whole. The objective of this study is to delineate the role of the bass guitar in contemporary music production, as well as to investigate how digital technologies and innovations are altering its utilization, sound characteristics, and interaction with other instruments. The practical significance of the findings lies in showcasing the potential of digital technologies for refining the sound of the bass guitar and enhancing the overall musical experience for listeners. These results can inform sound engineers, producers, and musicians in making decisions regarding the utilization of appropriate sound processing methods during music creation and recording, thereby opening up new creative avenues for producing a more refined and balanced musical product capable of captivating and engaging audiences.
Syrigma 1 Op. 30 obra electroacústica de Blas Emilio Atehortúa. Una mirada a través de la espectromorfología.
En esta investigación se abordó la obra Syrigma 1 Op. 30 del compositor colombiano Blas Emilio Atehortúa desde la perspectiva de la espectromorfología, herramienta analítica desarrollada por el compositor Denis Smalley. La metodología consistió en traducir e interpretar el artículo "Spectromorphology: explaining sound - shapes" publicado en 1997 e identificar y caracterizar eventos y objetos sonoros en la obra que fueron puestos en diálogo con los conceptos presentados por el autor. Se demostró la versatilidad de este enfoque y su utilidad para describir, explicar y valorar estéticamente una selección de procedimientos compositivos implementados por Atehortúa en esta obra electroacústica.
análisis musical, espectromorfología, Syrigma 1 Op. 30, Blas Emilio Atehortúa
Imperialismo, estética y pedagogía en Guido Adler (1855-1941): un reto para la musicología del presente. Edición y traducción de Alcance, método y objetivo de la ciencia de la música (1885) de Guido Adler
En este artículo analizamos el célebre artículo de Guido Adler, “Alcance, método y objetivo de la ciencia de la música” (1885), considerado el documento teórico fundacional de la musicología como disciplina, del que además presentamos la primera edición y traducción del texto en español. Para ello, abordamos el contexto histórico, político y filosófico en que surgió, centrándonos especialmente en el fundamento teórico de su planteamiento. En especial, analizamos su idea de la música, definida como un arte tonal que se desarrolla históricamente a través de diversos estilos, plasmados en partituras y formas musicales por múltiples pueblos y naciones, que con el tiempo dan lugar a una ciencia y a una realidad estética cada vez más definida, que nos acercaría a la verdad y a la belleza. Nuestra intención es incitar la reflexión sobre el fundamento de la disciplina, para lo cual el texto de Adler sigue siendo un reto.
La música de Isidro B. Maiztegui Pereiro en el contexto hispano-argentino. Migración, cine y sonidos de la identidad.