El oído pensante tiene como propósito promover la discusión en torno a los dilemas teóricos, metodológicos y epistemológicos de las investigaciones realizadas sobre diversas manifestaciones musicales y sonoras. Sus páginas acogen trabajos inéditos en español, portugués o inglés, que se enmarquen en disciplinas tales como la etnomusicología, la antropología y la sociología de la música, los estudios de música popular, la musicología y los estudios culturales, entre otras.
Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Buenos Aires
Presencia de la inclusión en la educación musical: estudio bibliométrico
El término inclusión, tanto en el ámbito social como educativo, se refiere a proporcionar oportunidades de desarrollo individual y participación social a personas con diversas capacidades, evitando su exclusión. El alto valor integrador de la música nos lleva a dedicar este estudio bibliométrico con un objetivo que consiste en analizar las particularidades de las investigaciones que vinculan la Educación Musical y la inclusión. Se presentan autores especializados y las revistas científicas con mayor interés en la temática. Se realiza una búsqueda en la base de datos Web of Science utilizando en exclusiva los términos: musical education e inclusion. Se obtienen 300 artículos (59 publicados en 2023) y se advierte que las revistas con mayor interés temático son International Journal of Music Education, Music Educators Journal y Research Studies in Music Education. España ocupa el segundo lugar en artículos publicados, con 54 publicaciones, únicamente superado por Estados Unidos (n=98). Delimitando la búsqueda a 2020-2024, el corpus se reduce a 193 artículos. Observamos incremento en la producción científica de esta temática. Esto puede explicarse por el aumento de la diversidad social y educativa.
Revisando las mujeres y la guitarra eléctrica: por qué es necesario actualizar y ampliar la investigación
Este artículo aborda el estado de la investigación sobre las mujeres y la guitarra eléctrica y sostiene que existe una gran necesidad de realizar más investigaciones sobre el tema. Los estudios existentes se centran principalmente en los factores que inhiben a las mujeres a tocar la guitarra eléctrica y en las relaciones entre las mujeres y la guitarra offline o antes de la aparición de Internet. Asimismo, tienden a vincular la guitarra eléctrica con la masculinidad y la sexualidad masculina y a caracterizarla como una práctica dominada por los hombres. Esto significa que no se presta mucha atención a las razones por las que las mujeres tocan la guitarra eléctrica, se omite en gran medida el impacto de Internet en la práctica femenina de la guitarra y se da mínima consideración a otras formas de abordar la relación entre el género y el instrumento. Sostengo que todos estos aspectos son vitales para comprender mejor el tema, y para promover la causa de la igualdad de género en la música y, por lo tanto, son necesarias con urgencia más investigaciones.
Videos musicales ambientados en cafeterías. Sugestión y autocuidado emocional durante la pandemia por el Covid-19
En este artículo se aborda un fenómeno cultural, el de los videos musicales ambientados en cafeterías, que experimentó un auge considerable durante la crisis sanitaria originada por el Covid-19. Se trata de un material difundido, principalmente, a través de la plataforma YouTube, cuyo propósito es propiciar estados de máxima relajación, concentración y creatividad, mediante el estímulo de la ASMR (respuesta sensorial meridiana autónoma). Tras llevar a cabo una etnografía digital, se han observado las dinámicas de funcionamiento de los canales seleccionados y se han analizado las diversas estrategias creativas que se ponen al servicio de los objetivos mencionados. Finalmente, el artículo aborda el análisis de este fenómeno a la luz de diversos marcos teóricos que ayudan a ubicarlo en un contexto social de modelos de consumo neocapitalistas, individualizados y espectacularizados.
Between a Context that Expands and an Ideology that Defunds
Repensando el discurso de la prensa desde la musicología
Este artículo propone un acercamiento crítico al discurso de la prensa sobre la música. Su objetivo es desgranar sus mecanismos a través de tres ejes principales: a) la concepción de la prensa como un archivo; b) la idea de la prensa como un elemento de mediación, y c) los postulados de los estudios críticos del discurso. Se busca examinar cómo estos elementos actúan de manera conjunta e interactúan dentro de lógicas de poder que tienen que ver con estructuras dominantes, asumiendo que solo al entenderlas en su complejidad es posible comprender los discursos de la prensa y que una mirada crítica permite una visión alternativa a las que a menudo proponen las narrativas históricas de la musicología.
It's Not the End, but Something Feels off
Entre un contexto que expande y una ideología que desfinancia
M. Paz López-Peláez Casellas (coord.). Músicas encontradas. Feminismo, género y queeridad. Jaén. Editorial Universidad de Jaén, 2021.195 pp.
Book review: M. Paz López-Peláez Casellas (coord.) Músicas encontradas. Feminismo, género y queeridad. Jaén. Editorial Universidad de Jaén, 2021.195 pp. ISBN: 978-84-9159-450-5.
Inmanencia y metafísica en El arte de la fuga de J. S. Bach
El Arte de la Fuga contiene elementos particulares definidos, que posibilitan establecer la hipótesis según la cual dentro de la obra de Johann Sebastian Bach, se encuentra un fondo metafísico original. A partir de la estructura sistemática presente en la última gran composición del músico alemán, y del marcado acento circular que contiene, la originalidad metafísica analizada en este artículo es la consideración de una concepción inmanentista de la esencia divina. Partiendo de tal consideración, se analizarán las posibilidades que contiene la estructura formal de la obra para exponer cómo la totalidad de lo real se encontraría contenida en la esencia divina para luego desplegarse en lo otro de sí, en la misma realidad.
Música y rodeo en el Valle de Chancay. Eimer Sucuple, Sergio Arellano y Margoth Manuelo. (2020). Lima: Escuela Nacional Superior de Folklore José María Arguedas.
López Moya, M. de la C. (2017). Caleidoscopio sonoro, músicas urbanas de Chiapas. Chiapas: Cesmeca-Juan Pablo Editores, Tuxtla Gutiérrez.
Preservación y previsión: propuesta de modelo para la adaptibilidad e interpretación de obras electroacústicas con procesamiento de señal en tiempo real
La música electroacústica con procesamiento de señal en tiempo real, conocida como live electronics, enfrenta desafíos significativos en términos de su sustentabilidad, es decir, en su capacidad para pervivir y ser reinterpretada en el futuro. Estos desafíos se encuentran vinculados a la naturaleza tecnológica de las obras. Muchas dependen de tecnologías específicas que podrían volverse obsoletas, carecen de información para migrar a nuevas tecnologías y no tienen sistemas de escritura adecuados para garantizar su reinterpretación. Lo cual podría resultar en la pérdida permanente de algunas composiciones musicales. El artículo tiene como objetivo abordar dichas problemáticas y sugerir la creación de un modelo sistematizado de los elementos de una obra de este tipo para contribuir a la preservación de la música electroacústica con procesamiento de señal en tiempo real.
La Nueva Música como territorio de la emancipación del recurso tecnológico
Atendiendo a un siglo XX que vio nacer instrumentos, recursos musicales y técnicas que respondían a las exigencias de las músicas de su propio tiempo, en el presente artículo examinamos si la gradual consolidación de los recursos electrónicos en el campo composicional guarda algún tipo de relación con el desarrollo de la Industria Cultural, la que para la Escuela de Frankfurt es conducida a través de la expansión de las tecnologías para la comunicación. A partir del análisis heideggeriano de la naturaleza de dichos recursos prestamos especial atención a la forma en que su entrada en el proceso creativo conlleva la paulatina aparición de un pensamiento distinto al musical, pensamiento que surge del estadio tecnológico y que puede ser reconducido a la razón instrumental definida por Marcuse, todo al interior de un proceso donde las nuevas tecnologías parecieran orientar su desarrollo hacia su propia autonomía.
Espacialidad en la experiencia musical. Reflexiones indisciplinadas y una propuesta a partir del territorio
Las nociones relativas a la espacialidad han sido utilizadas de modo polisémico en el campo de la etnomusicología, lo cual ha posibilitado una progresiva apertura a modos complejos de entender cómo el sujeto social experimenta la práctica de la música. En el presente trabajo, planteamos una relectura de la espacialidad en la experiencia musical a partir de un análisis de las nociones de espacio, lugar y territorio. Nuestras conclusiones apuntan a relacionar, después de dos décadas, la propuesta de Timothy Rice sobre la experiencia musical con otros autores fuera de la musicología que han abordado la relación entre experiencia, tiempo y espacio. Nos hemos propuesto repensar los ejes en los cuales se articula la experiencia musical, relevando el rol del territorio como concepto que articula etnicidades y usos históricos del espacio en los que la música puede aunar parte de esa experiencia.
Del archivo a la invención del mito nacionalista en La música en Cuba: nuevas perspectivas en torno al criollismo en el siglo XIX cubano
Sin dudas la influencia de la narrativa de Alejo Carpentier ha sido significativa en el contexto latinoamericano, así como su acción legitimadora en la creación de un tópico nacionalista en el siglo XIX en Cuba. Sin embargo, existen numerosos factores que contradicen la tesis carpenteriana como, por ejemplo, la propia complejidad de la sociedad cubana a mediados de siglo y, por tanto, la poca probabilidad de la formación de una nación homogénea y unificada en esta etapa, entre otras razones debido al problema de la colonización española, la permanencia de la esclavitud hasta 1886 y el proceso de criollización e integración de la población negra. El objetivo principal del presente trabajo es deconstruir el discurso sobre el canon del nacionalismo musical en la Cuba colonial cimentado sobre la agenda ideológica nacionalista/americanista de Carpentier en La música en Cuba (1988). Al mismo tiempo que se propone la pertinencia del término criollo o criollista, para el estudio de la actividad musical conexa a determinados circuitos relacionales y de membrecía localizados en la Cuba decimonónica. Para ello ha resultado pertinente el enfoque de “complejo de performance” que propone Alejandro Madrid (2012) para el estudio posnacional del nacionalismo musical.
De la investigación formativa a la creación crítica y reflexiva: aportes para una reconfiguración de la investigación creación en programas de posgrado en música
En los últimos años, el tema de la investigación creación (o investigación artística, como la suelen llamar en el ámbito europeo) ha cobrado especial relevancia en ámbitos universitarios. Son numerosos los libros y artículos publicados que han buscado definirla y teorizarla. Sin embargo, en lugar de aclararse o alcanzar un consenso sobre su significado y alcances, con el paso de los años se percibe que sigue siendo un término vago y difuso, con múltiples usos según los intereses de quienes lo enuncien. En este artículo, a partir de una amplia revisión bibliográfica producida durante los últimos años sobre aspectos epistemológicos y metodológicos de la investigación creación, se busca dilucidar confusiones y proponer alternativas para reconfigurar el campo. La discusión se apoya en los métodos deductivo e inductivo para llegar a discusiones y propuestas, tomando como base empírica trabajos de grado de un programa de maestría en Colombia, cuya construcción curricular se diseñó sobre el paradigma de la investigación creación. Como resultado, se argumenta la importancia de definir la creación crítica y reflexiva como una tercera opción entre la creación y la investigación creación.
Objects Move Faster Than the Eyes That Observe Them
“Não raro sou voto vencido”. O percurso de Samuel Araujo, o legado do Grupo Musicultura e os desafios da etnomusicologia
Los objetos se desplazan a mayor velocidad que la mirada
Imperialismo, estética y pedagogía en Guido Adler (1855-1941): un reto para la musicología del presente. Edición y traducción de Alcance, método y objetivo de la ciencia de la música (1885) de Guido Adler
En este artículo analizamos el célebre artículo de Guido Adler, “Alcance, método y objetivo de la ciencia de la música” (1885), considerado el documento teórico fundacional de la musicología como disciplina, del que además presentamos la primera edición y traducción del texto en español. Para ello, abordamos el contexto histórico, político y filosófico en que surgió, centrándonos especialmente en el fundamento teórico de su planteamiento. En especial, analizamos su idea de la música, definida como un arte tonal que se desarrolla históricamente a través de diversos estilos, plasmados en partituras y formas musicales por múltiples pueblos y naciones, que con el tiempo dan lugar a una ciencia y a una realidad estética cada vez más definida, que nos acercaría a la verdad y a la belleza. Nuestra intención es incitar la reflexión sobre el fundamento de la disciplina, para lo cual el texto de Adler sigue siendo un reto.
La música de Isidro B. Maiztegui Pereiro en el contexto hispano-argentino. Migración, cine y sonidos de la identidad.
Costumbres musicales en redes sociales durante y tras el Gran Confinamiento
La brusca irrupción de la pandemia por Covid-19 supuso una gran convulsión en todos los países. Los hábitos de consumo se vieron altamente afectados durante y tras el Estado de alarma declarado en España entre el 14 de marzo y el 21 de junio de 2020. El objetivo principal del presente trabajo consiste en analizar la incidencia del consumo musical a través del uso de las TIC y las redes sociales, durante el Gran Confinamiento por Covid-19, en la vida cotidiana de personas de diferente género y edad –desde la mayoría de edad hasta el final de la vida profesional y la etapa de jubilación. Asimismo, se establecieron otros objetivos secundarios tales como observar la variación del consumo musical producida en este periodo de reclusión, estudiar los beneficios y percepciones emocionales que produjo y transmitió la música, establecer la valoración que ésta recibió, y demostrar y poner en valor sus beneficios en la vida cotidiana de las personas.
La poética del arte sustantivo abstracto
El objetivo de este artículo es discutir las razones por las cuales una obra de arte sustantivo abstracto alcanza significado poético. El fin último es entender el significado poético de la música instrumental no vocal. En primer lugar, hago explícitos algunos de los presupuestos filosóficos acerca de las artes sustantivas y acerca del arte abstracto (apartados 1, 2). A continuación, reconozco el carácter clasificatorio no neutral de mi propuesta (apartado 3). Por último, analizo algunos ejemplos de obras de arte abstractas, en especial obras musicales (apartados 4 y 5). Termino concluyendo que las obras de arte sustantivo abstracto, para que alcancen significado poético, tienen que estar conectadas de un modo inteligible con la realidad exterior a ellas.
Música moderna: la new wave en el contexto español
En el trabajo se reflexiona sobre la new wave como género musical y sus problemas a la hora de trasladarla al contexto español a través del caso particular de la Movida y del grupo Radio Futura. Se abordan elementos como el pastiche, la ironía y las negociaciones sobre el concepto de modernidad surgidas en el entorno de los ochenta. La metodología aplicada tiene en cuenta estrategias procedentes de los estudios culturales, así como otras extraídas de la musicología tradicional para el análisis de ciertos elementos musicales. Así, en una primera sección se abordan los problemas y contradicciones de la new wave y su conflictiva relación con la posmodernidad. En un segundo apartado, se examina el caso concreto de Radio Futura como banda que adaptaba, en sus inicios, este género al ámbito español. Por último, se analizan a través de la canción “Enamorado de la moda juvenil”, aspectos propios de la new wave, como la herencia del punk o la articulación de ironía, y se problematiza su funcionamiento fuera de las escenas anglosajonas.
Creaciones artísticas musicales e Inteligencia Artificial (2019-2022)
El objetivo del artículo es analizar cómo se utilizó la Inteligencia Artificial en la creación artística musical entre los años 2019 y 2022. Para ello, se llevan a cabo tres tareas: (i) descripción de los diferentes usos de la Inteligencia Artificial en el ámbito musical, (ii) examinación de las ventajas y desventajas de su aplicación, y (iii) comparación de tres casos específicos de implementación de la Inteligencia Artificial en la música (Massive Attack, DeepBeat, These Lyrics Do Not Exist). Se empleó una metodología cualitativa que involucró la revisión de la literatura académica y el análisis detallado de fuentes primarias relacionadas con los casos mencionados. A través de este proceso, se pudo identificar que la Inteligencia Artificial se ha utilizado cada vez más en diferentes aspectos musicales, abarcando la composición, la enseñanza y la recomendación musical, y ha tenido un impacto significativo en el ámbito comercial. Igualmente, el uso de la Inteligencia Artificial en la música ha demostrado diversas ventajas y desventajas en áreas como la conveniencia, la creatividad, la autonomía, la propiedad intelectual, la inversión, el desarrollo tecnológico, la flexibilidad y la escritura musical. Asimismo, la comparación detallada de los tres casos estudiados permitió evidenciar el alcance y las aplicaciones concretas del Aprendizaje Profundo (Deep Learning) en el ámbito musical, mostrando su amplia adopción y uso masivo en esta área. Un aspecto relevante que se desprende de esta investigación es su contribución a la discusión sobre nuevos escenarios y al desarrollo de políticas y regulaciones en el ámbito de la creación artística con la participación de la Inteligencia Artificial.
The Sound Archive as a Source of Knowledge
Transgresiones neoliberales en la industria cinematográfica contemporánea: música clásica y cuerpos musicales deshumanizados en las películas The Perfection (2018) y Nocturne (2020)
El objetivo de este artículo es examinar lo que llamo “cuerpos musicales deshumanizados” en las películas de terror psicológico The Perfection y Nocturne. Estos cuerpos neoliberales multideficientes están expuestos a la imagen estereotipada y sorprendentemente negativa del sofisticado mundo del arte. Se presta especial atención al tratamiento provocador de la música clásica, centrándose en las prácticas institucionales no normativas y la reconfiguración ética de sus representantes. Una forma sorprendentemente cruda de deshumanización musical se encuentra en la película The Perfection, cuya banda sonora combina sonidos ambientales de terror y melodías populares con grandes obras clásicas de Handel, Mozart y Casadesus. La película Nocturne, en cambio, ofrece una estética audiovisual más contemplativa con una jerarquización engañosa del repertorio de música clásica. La música de Mozart se devalúa caprichosamente, mientras que el “Concierto para piano No. 2 en sol menor”” de Saint-Saëns se utiliza como recurso narrativo para una manifestación destructiva de poder que conduce a una avalancha de conflictos entre las hermanas. Este juego explícito con significantes de la música clásica se desvía drásticamente de los protocolos musicales convencionales y conduce a la alienación y, en última instancia, a la deshumanización neoliberal transgresora de los músicos contemporáneos.
Aprender a escuchar, enseñar a entender: la democratización del análisis musical
La sociedad de la información ha permitido universalizar, en gran medida, el acceso a la música clásica. Gracias a las nuevas tecnologías se han eliminado la mayoría de barreras geográficas y económicas para llevar este tipo de música a un nuevo público, que abarca potencialmente a toda la humanidad. Sin embargo, muchos de estos nuevos oyentes se encuentran con dificultades a la hora de decodificar el lenguaje y los recursos utilizados en gran parte del repertorio, especialmente el surgido a partir de las corrientes de vanguardia del siglo XX. Ante este escenario, el análisis musical se erige como una herramienta idónea para solventar estas dificultades y romper la última barrera de entrada a la música clásica. Pero para poder llegar a este nuevo público, el propio análisis debe democratizarse: centrarse en sus metodologías más accesibles y no ser víctima de los tecnicismos que aspira a decodificar. Esta democratización solo puede conseguirse observando las características del nuevo público y estudiando las distintas técnicas a disposición de los analistas para ofrecer las herramientas y metodologías adecuadas a los nuevos oyentes.